CORTOMETRAJE (en mayúsculas)

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Me deja de piedra que en los premios Goya siempre hagan un monólogo o algún tipo de introducción parecida a una disculpa por tener que “perder el tiempo” entregando un premio, de alguna manera obligado, en una ceremonia hecha para largometrajes. Y me alucina que sean actores como Cristina Castaño o Ernesto Sevilla quienes den su brazo a torcer para hacerlo, ya que ellos mismos han trabajado en cortometrajes, y lo hacen bastante a menudo.

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Pero la cosa es que tampoco los productores necesitan “disculpas”, pues es bastante frecuente ver cortos producidos por ellos mismos, mismamente Enrique López Lavigne posó con Rodrigo Sorogoyen al recoger el Goya por “Madre” bien orgulloso de su trabajo.

¿Tal vez el mensaje esté destinado al público que desde sus casas lo ven? No sé, pero tal y como lo vendió Cristina Castaño en esta edición, da la sensación de que los cortometrajistas somos niños pequeños jugando con la cámara de papá… -“…sus madres les hacen bocadillos…” – decía en ese monólogo. No sé en sus producciones, pero por lo general los cortometrajistas tienen una producción idéntica a la de los largometrajistas, incluyendo un catering contratado, y muy posiblemente el mismo que contratan las grandes producciones españolas.

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Creo que la idea del cortometraje se tergiversa con este tipo de actuaciones. Los cortos profesionales tienen el mejor equipo técnico, mantienen el papeleo de forma legal frente a la seguridad social, y se lleva exactamente el mismo protocolo que en un largo, y en la mayoría de los casos el cortometraje supera en factura he historia a la mayoría de las producciones de películas que se hacen en nuestro país.

Podemos ver a actores consagrados interpretando en cortos, así como nuevos actores que gracias a estas obras de corta duración dan el salto al ansiado largometraje y demuestran así la valía.

Por otra parte creo que muchos directores de largometraje regresan de vez en cuando al cortometraje porque es mucho más accesible y les da la posibilidad de contar algo que en un largo tardarían años en ver acabado. Directores como Daniel Sánchez Arévalo o Javier Fesser nos deleitan de vez en cuando con nuevos cortometrajes que compiten como uno más en festivales de todo el mundo.

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Tal vez lo que queremos con el largometraje es poder vivir de la industria, y que el público no se limite a más directores de cortos, pues lo cierto es que prácticamente el 90% de estos trabajos es consumido por los propios cortometrajistas o personas relacionadas con el medio (en este caso sería el 100%).

Llegar a las salas de cine y a un público “real” es el sueño de quienes contamos historias, por ello muchas veces la frustración de no poder dar el paso nos hace parecer cínicos en nuestras declaraciones. Pero lo cierto es que contar historias cortas es todo un arte. Y si alguna vez habéis escrito un guión de largometraje después de cientos para cortos, os daréis cuenta de lo maravilloso que es escribir con tiempo para que tu historia brille con plena luz.

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El corto es maravilloso, ya sea con presupuestos altos o bajos… la posibilidad de contar historias y poder embaucar al público es simplemente sensacional, y creo que se le debería dar una oportunidad comercial para que al menos podamos amortizar los gastos, además de las plataformas de Movistar Plus o similares, introducir el corto en la parrilla televisiva, seguro que a mucha gente le engancharía ver historias sueltas, es cuestión de hábitos.

Que no te engañen, el corto NO es el hermano pequeño del largo, todo lo contrario, es el PADRE.

DOODLEBUG (el tercer corto de Nolan)

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¿Como sería un cortometraje para Notodofilmfest de Christopher Nolan?

Pues más o menos tenemos una prueba con su tercer cortometraje de 1997 llamado “Doodlebug”, en el que en poco menos de tres minutos nos sumerge en una historia minimalista, de un único protagonista, y que acapara toda la atención del espectador por su inquietante fotografía y su maravillosa manera de ser filmado.

Tras este corto se atrevería con un largo que le costaría 6.000$, y en el que nadie cobró un solo dólar. El largo se llamaría “Following”, no llegaría a salas de cine, pero triunfaría en festivales de cine independiente. Esto le llevó al interés de una productora por su siguiente trabajo “Memento”, el cual tendría un coste de 9.000.000 de dólares, con el que dio el salto al cine profesional.

 

U-TURN (el otro Oliver Stone)

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Existen dos tipos de películas en el universo Oliver Stone, el cine serio, y el cine por diversión. A todo el mundo le apasiona su lado serio, y es lógico, pues es todo un señor director y entra en temáticas muy peliagudas que otros ni se atreven a pisar… pero su lado “hago éstas otras pelis porque me sale de las narices” me mola mucho.

Cuando compró el guión de Tarantino “Asesinos Natos (Natural Born Killers – 1994) y lo “adornó” a su gusto, a todos sus seguidores les pareció una atrocidad, en cambio para quienes le descubrimos en aquella época (con mis 16 añitos) nos parece formidable que retuerza el montaje, los planos y los personajes de esta forma.

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Asesinos Natos da para un artículo muy extenso que seguro redacto algún día, pero yo quiero hablar de “Giro al Infierno” (U-Turn – 1997), un film retorcidísimo que protagonizó un espléndido Sean Penn y una inquietante Jennifer López.  Ennio Morricone envuelve esta aventura desesperada en música muy extraña acompañando escenas donde la incoherencia de unos personajes que habitan un pueblo infernal se hacen con todo el protagonismo.

SINOPSIS

Después de un accidente de coche en el desierto de Arizona, Bobby Cooper (Sean Penn) consigue llegar a un pequeño pueblo habitado por gentes muy extrañas. Allí conoce a una pareja formada por un hombre maduro (Nick Nolte) y una atractiva joven (Jennifer López). Pronto, el marido le propondrá matar a su esposa. Poco después, ella le propondrá matar a su marido. 

Cada personaje está medido al milímetro, y todos ellos aportan un valor importante a la historia. Joaquin Pohenix está increíble haciendo de novio hiper celoso y ridículo en esta cinta, pero cabe destacar la interpretación de Billy Bob Thornton, quien nos dejó atónitos haciendo de asesino en la mini serie Fargo. Y es que “Giro al Infierno” está repleta de actores estupendos que se animaron a la fiesta de Stone. Nick Nolte lo da todo en su papel de padre depravado, con un incesto en su haber del que no se arrepiente.

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El ambiente, los planos, los personajes y la música consolidan un film divertido, agobiante e hipnotizador, una película que muchos han descartado de sus videotecas por ser un film irreconocible de su director, pero que en cuanto a ambientación y planos recuerdan mucho a “The Doors” (1991), donde el director hace tributo a una de sus bandas favoritas enseñándonos el mundo de Morrison desde su perspectiva de indios y sustancias psicotrópicas… una película no tan repudiada por los espectadores cinéfilos.

Sí aun no la has visto te recomiendo que lo hagas, eso si, sin prejuicios, sin comparativas… solamente siéntate y disfruta.

 

LLEGA DE NOCHE (culto al post-apocalipsis)

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Esta es la segunda película de Trey Edward Shults, un film de infectados donde la enfermedad es contagiosa y letal, sin zombies… un film post apocalíptico sin explicaciones, tan solo una narración directa de lo que le sucede a una familia que sobrevive tras la desaparición, supuestamente, de gran parte de la humanidad.

SINOPSIS:

Paul (Joel Edgerton) es un hombre que vive en una casa de madera con su esposa Sarah (Carmen Ejogo) y su hijo Travis (Kelvin Harrison Jr.), y que no se frenará ante nada para proteger a su familia de una presencia maldita que les atemoriza desde el exterior de su casa.

La sencillez de la película es aplastante, deja de lado las típicas explicaciones sobre lo que ha sucedido entendiendo que el público tiene ya  un master en cine de zombies y pandemias mundiales. Se centra en el esfuerzo de una familia por creer y confiar en otra que sufre la misma suerte.

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La cinta está rodada con el tono que últimamente llevan las cintas de terror, por decir algo concreto destaco “La Bruja” (The Witch – 2015), donde los planos se sostienen, la música es sutil y la credibilidad debe estar ante la licencia cinematográfica que en el 90% de las ocasiones, se carga con un espectáculo ridículo de efectos especiales, todo el film.

Noventa minutos que desfilan entre tensión más que terror… pues en mi opinión creo que su director y guionista, ponía en escena el miedo por la raza humana y su comportamiento ante una situación crítica, que a la propia enfermedad en sí. Algo parecido ocurría en “Infectados” (Carriers – 2009 Hermanos Pastor), donde la importancia se le da a la gente y su desconfianza.

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Sin duda hablamos de una cinta interesante, sin adornos, sin efectos patateros de medio pelo y sin ningún interés en hacer cine comercial de terror.

Muy Aconsejable.

3096 DÍAS (el infierno de Natascha Kampusch)

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La noticia corrió como la pólvora cuando Natascha Kampusch, después de 8 años secuestrada, logró escapar de su secuestrador Wolfgang Priklopil.

Escribió un libro llamado “3.096 días” que pronto llenó las tiendas y librerías de medio mundo, pero parece que la cosa se olvidó bastante rápido sin que ahora la gente recuerde nada de lo ocurrido.

Sherry Hormann se tomó la molestia de rodar una película que relatase todo aquel infierno que la niña de 10 años comenzó a vivir el 2 de Marzo de 1998. Y sobre ésta película quiero hablar.

Lógicamente se trata de una producción independiente de bajo presupuesto, pero no se necesitaba más que una buena dirección y un equipo básico para filmar esta cinta.

Se trata de una cinta que centra toda su atención en el infierno que la niña atraviesa desde su secuestro hasta su escapada. El director intenta resumir todo lo que la propia chica narra en su libro con una fidelidad digna de admiración.1775_51464_l

Planos sencillos, iluminación fría y música escasa o inexistente… el propio sonido ambiente de sus pasos, de su respiración y de sus gritos consiguen envolverte en esta atroz aventura que un perturbado decide llevar a cabo un buen día.

Wolfgang Priklopil era un técnico de comunicaciones austriaco que toma la decisión de secuestrar una niña con el fin de estar acompañado…. tener una hija… una novia… quien sabe, el tipo estaba loco y no quedaba nada claro. Pero no lo decide en caliente, se toma su tiempo para planear como va a tenerla secuestrada de por vida, pues ese era su cometido.

Construye un bunker bajo su casa prácticamente imposible de descubrir, con cama, baño y poco más…   unos 5 o 6 metros cuadrados donde la niña estuvo de principio a fin durante 8 largos años.

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La película narra lo más destacado del libro, como su crecimiento, el cambio de cuerpo de niña a adulta, y por supuesto el cambio de moral del secuestrador ante estos acontecimientos. Palizas, maltrato, y aunque en la película no aparecen abusos sexuales, Natascha confesó que los hubo tiempo después de haberse filmado la película. Y es que era de esperar que un tipo que terminó durmiendo con ella, abusase sexualmente.

No hacemos spoiler si decimos que Wolfgang Priklopil se suicidó nada más enterase de que su prisionera se había escapado, pues se trata de una historia que prácticamente todos conocemos… pero lo interesante es ver y sentir todo ese atroz pensamiento que le mantenía con la idea de seguir reteniéndola.

Recomiendo este film encarecidamente, y por supuesto en versión original para no perder detalle de las maravillosas interpretaciones que se lleva a cabo.

Si te gusta leer, también te recomiendo el libro escrito de su puño y letra.

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EL PIANISTA (los recuerdos de Polanski)

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Wladyslaw Szpilman

Roman Polanski le debía a su propia filmografía una película sobre la segunda guerra mundial. Antes que a Spielberg, le ofrecieron a él dirigir “La lista de Schindler”, pero no aceptó, buscaba algo más relacionado con lo que él pasó en el gueto judío de Varsovia, algo más subjetivo… y cuando descubrió el libro “El Pianista”, el relato narrativo en primera persona de Wladyslaw Szpilman, supo que eso era lo que quería llevar al cine.

Polansky fue un niño de la guerra, escapó por su propio pie del nazismo cuando era un niño, y lo consiguió él solo, pues sus padres no tuvieron la oportunidad de liberarse del holocausto.

La historia de Polanski es increíble, totalmente de cine, y aprovecho para recomendar su biografía escrita por Christopher Sandford, “Polansky”, y es que yo siempre prefiero una biografía NO oficial a las supervisadas, entenderéis por qué.

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Lo dicho, la vida de este director que empezó desde lo más bajo que se pueda imaginar, está repleta de aventuras y anécdotas que te dejarán perplejo. Piénsalo bien, como un niño judío al que dejan huérfano de padre y madre,  escapa del nazismo y llega a ser uno de los directores más importantes del cine… a esto añade la polémica con la niña de 13 años Samantha Geimer, y el caso Manson, el cual envió a sus demonios para matar de la manera más cruel a su esposa Sharon Tate y amigos…

Bueno, centrémonos en la película “El Pianista”.

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SINOPIS:

Wladyslaw Szpilman, un brillante pianista polaco de origen judío, vive con su familia en el ghetto de Varsovia. Cuando, en 1939, los alemanes invaden Polonia, consigue evitar la deportación gracias a la ayuda de algunos amigos. Pero tendrá que vivir escondido y completamente aislado durante mucho tiempo, y para sobrevivir tendrá que afrontar constantes peligros.

Polanski ve en este personaje la manera de plasmar en la película recuerdos que arrastraba, y así, de algún modo, expulsarlos para sentirse aliviado.

El guión fue adaptado de manera que hubiera cabida para escenas sacadas de la memoria del director, por ejemplo la escena donde un niño queda atrapado entre la pared del muro que refugia a los judíos y la ciudad de Varsovia, esa escena donde los soldados de las SS le patean hasta matarlo sin que el protagonista pueda desatascarlo… es una escena vivida por el propio Polanski, la vio con sus propios ojos.

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También vivió la escena donde los soldados nazis sacan a una familia a la calle y a una de las judías se le ocurre preguntar dónde les llevan, suficiente para que el nazi le vuele la cabeza de un tiro delante de toda su familia. Bueno, pues eso es también un recuerdo de Polanski.

Esto que cuento no es que lo sepa por sabiduría divina, lo tenéis en los extras del DVD de la propia película. En él también explican cómo recrean una escena de una propia filmación nazi. Los nazis documentaban todo gráficamente con filmaciones y fotografías, lo cual ha dado lugar a un estudio muy exhaustivo de toda aquella locura. Una de esas filmaciones mostraban como lanzaban a un señor mayor con silla de ruedas incluida, por el balcón, de nuevo, delante de su familia. Este documento real fue representado exactamente de igual forma (un plano frontal desde el edificio de en frente, mostrado en original y recreación en los extras) en la película, en la llamada “noche de los cristales rotos”.

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No hace falta decir lo magistral de este film, con un Adrien Brody descomunal, y una fotografía a cargo de Pawel Edelman, capaz de plasmar a la perfección el caos y la destrucción de la guerra.

Está de más que hable de esta cinta a modo de crítica, pues se me queda grande. Tan sólo quería aportar anécdotas que levanten la curiosidad de quienes aún no la han visto. Es dura, muy dura… y no se toma la molestia de apaciguar la crudeza como lo hizo Spielberg en “La lista de Schindler”. Polanski muestra lo que hay,  y lo hace a todo detalle, detalles de quien lo ha vivido.

Detalles sutiles pero que de alguna forma son percibidos por el cerebro. Por ejemplo: en la muerte de una chica durante una revuelta en la calle, donde queda sin vida en una posición extraña tendida en el empedrado… y en una elipsis, cuando después de un tiempo el protagonista baja a la calle, ésta sigue igual… sí, es lógico, pero al no centrar la atención en ese detalle, tan sólo dejarlo de fondo, crea esa sensación de realismo tan impresionante.

Roman Polanski no pudo ir a EEUU a recoger el Oscar al mejor director por la ley aún vigente de detención contra él por el caso Samantha Geimer. Fue  Harrison Ford quien se lo llevó a Europa en mano.

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“El Pianista” es tal vez el relato que mejor representa el sufrimiento humano por escapar del holocausto.

EL VÍDEO DE BENNY (terrible adolescencia)

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“El Vídeo de Benny” es para mí, una de las mejores películas de Michael Haneke.

SINOPSIS:

Benny es un chico de 14 años de buena familia. Sus padres intentan compensar la falta de cariño hacia su hijo regalándole un estupendo equipo de vídeo. Obsesionado con el uso de su nuevo juguete, graba cómo sacrifican a un cerdo con una pistola, escena que lo incita a cometer un acto salvaje.

Con esta sinopsis a cualquier amante del cine violento le darán ganas de verla. Pero es que va más allá. Como siempre Haneke escribe sus guiones basándose en alguna historia real, normalmente extraídas de las propias noticias que dan en la televisión.

En este caso la noticia real se basa en el crimen que el chaval cometió, y sobre todo hace hincapié en la protección ejercida de sus propios padres al encubrir dicha atrocidad.

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En la cinta de 1992, vemos un Michael Haneke en estado puro. Llevando las imágenes a una realidad sobrecogedora, sin alterar la iluminación, ni las personalidades de unos personajes que se aferran a la realidad, hasta hacernos creer estar viendo un documental.

En esta historia, el director se toma su tiempo para cada escena… El principio consta de las imágenes del sacrificio de un cerdo siendo disparado con un arma de aire comprimido en la cabeza. Esto se repite una y otra vez sin cambio de plano alguno… llega a conseguir que sientas total repulsión por lo que estás viendo, y eso es importante, pues sin ese rechazo es imposible entender lo que su director quiere que sienta el espectador… eso es rechazo absoluto a la violencia.

En todos los films el guionista y el director suelen querer que te sientas uno más del reparto, que sientas empatía por uno de sus personajes, y llevarte con él a pasar las penurias o diversiones que tengan preparadas para ti. Pero Haneke lo que pretende en esta cinta es que no dejes de ser un espectador… que sigas siendo tú mismo para que  analices y juzgues con tus propios criterios, lo que sucede durante la película.

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Es sin duda un cine inteligente no apto para mentes “americanizadas” (cinematográficamente hablando). De hecho el director austriaco huye de los estándares fílmicos para conseguir atrapar la atención del espectador más serio y humano.

Esta cinta es muy recomendable, altamente realista y con un desarrollo verdaderamente inquietante. El final es verídico, así que solamente me queda recomendarla, y que disfruten de un Haneke en plena forma.