ARCADIA (eliminando a la competencia)

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Costa-Gavras nos deleita con un film de alto contenido en humor negro, la película es de 2005 y atención a la sinopsis:

Bruno Davert es un alto ejecutivo que trabaja desde hace quince años en una fábrica de papel. Debido a la reestructuración económica de la empresa, él y cientos de empleados son despedidos de la noche a la mañana. En principio la medida no le preocupa; es joven (ronda los cuarenta), tiene una preparación excelente y confía en encontrar pronto un puesto de trabajo similar. Tres años después, aún sin trabajo, sólo piensa en sobrevivir y garantizar el futuro de su familia. Por ello, decide, con la ayuda de un arma, pasar a la acción y aniquilar a la competencia de una forma ordenada y lógica. Al mismo tiempo prepara el asalto a la Corporación Arcadia, el último obstáculo entre él y el puesto laboral que ansía. 

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Con un argumento así es normal que quieras verla, y más si se trata de cine francés. Este filme es sin duda una ráfaga de aire fresco en cuanto a comedia negra se refiere. La sutileza con la que trata las escenas, lo bien elaborado que está el guión, y la interpretación de unos actores que dan la talla hasta el punto de creerte lo surrealista de los acontecimientos, son el pilar de esta película de dos horas de duración.

No hablamos de una película con gran fotografía, ni de maravillosos planos… es más, podemos decir que en ese aspecto es más un telefilme que otra cosa, pero el ingenioso guión, con sus peculiares diálogos, la llevan a un escalón superior donde se puede calificar de obra inteligente y destacable.

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No es fácil llevar a cabo este tipo de cine sin sobrepasar la línea de lo absurdo, en este caso, su director sabe mantener las distancias sin sobrepasar la línea, aunque en muchas ocasiones se acerca a la comedia absurda más rutinaria, pero son pocas las ocasiones.

Tal vez un poco larga, tal vez le sobren 20 o 30 minutos, esta sensación la dan algunas escenas que parecen entrar en bucle, pero sin duda el final merece la pena, y aunque se pueda prever dicho desenlace, no deja de ser inquietante.

Recomendable para quienes como yo, no les gustan las comedias al uso, y requieren de el humor negro para sacar una sonrisa, e incluso una carcajada.

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CORTOMETRAJE (en mayúsculas)

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Me deja de piedra que en los premios Goya siempre hagan un monólogo o algún tipo de introducción parecida a una disculpa por tener que “perder el tiempo” entregando un premio, de alguna manera obligado, en una ceremonia hecha para largometrajes. Y me alucina que sean actores como Cristina Castaño o Ernesto Sevilla quienes den su brazo a torcer para hacerlo, ya que ellos mismos han trabajado en cortometrajes, y lo hacen bastante a menudo.

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Pero la cosa es que tampoco los productores necesitan “disculpas”, pues es bastante frecuente ver cortos producidos por ellos mismos, mismamente Enrique López Lavigne posó con Rodrigo Sorogoyen al recoger el Goya por “Madre” bien orgulloso de su trabajo.

¿Tal vez el mensaje esté destinado al público que desde sus casas lo ven? No sé, pero tal y como lo vendió Cristina Castaño en esta edición, da la sensación de que los cortometrajistas somos niños pequeños jugando con la cámara de papá… -“…sus madres les hacen bocadillos…” – decía en ese monólogo. No sé en sus producciones, pero por lo general los cortometrajistas tienen una producción idéntica a la de los largometrajistas, incluyendo un catering contratado, y muy posiblemente el mismo que contratan las grandes producciones españolas.

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Creo que la idea del cortometraje se tergiversa con este tipo de actuaciones. Los cortos profesionales tienen el mejor equipo técnico, mantienen el papeleo de forma legal frente a la seguridad social, y se lleva exactamente el mismo protocolo que en un largo, y en la mayoría de los casos el cortometraje supera en factura he historia a la mayoría de las producciones de películas que se hacen en nuestro país.

Podemos ver a actores consagrados interpretando en cortos, así como nuevos actores que gracias a estas obras de corta duración dan el salto al ansiado largometraje y demuestran así la valía.

Por otra parte creo que muchos directores de largometraje regresan de vez en cuando al cortometraje porque es mucho más accesible y les da la posibilidad de contar algo que en un largo tardarían años en ver acabado. Directores como Daniel Sánchez Arévalo o Javier Fesser nos deleitan de vez en cuando con nuevos cortometrajes que compiten como uno más en festivales de todo el mundo.

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Tal vez lo que queremos con el largometraje es poder vivir de la industria, y que el público no se limite a más directores de cortos, pues lo cierto es que prácticamente el 90% de estos trabajos es consumido por los propios cortometrajistas o personas relacionadas con el medio (en este caso sería el 100%).

Llegar a las salas de cine y a un público “real” es el sueño de quienes contamos historias, por ello muchas veces la frustración de no poder dar el paso nos hace parecer cínicos en nuestras declaraciones. Pero lo cierto es que contar historias cortas es todo un arte. Y si alguna vez habéis escrito un guión de largometraje después de cientos para cortos, os daréis cuenta de lo maravilloso que es escribir con tiempo para que tu historia brille con plena luz.

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El corto es maravilloso, ya sea con presupuestos altos o bajos… la posibilidad de contar historias y poder embaucar al público es simplemente sensacional, y creo que se le debería dar una oportunidad comercial para que al menos podamos amortizar los gastos, además de las plataformas de Movistar Plus o similares, introducir el corto en la parrilla televisiva, seguro que a mucha gente le engancharía ver historias sueltas, es cuestión de hábitos.

Que no te engañen, el corto NO es el hermano pequeño del largo, todo lo contrario, es el PADRE.

DOODLEBUG (el tercer corto de Nolan)

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¿Como sería un cortometraje para Notodofilmfest de Christopher Nolan?

Pues más o menos tenemos una prueba con su tercer cortometraje de 1997 llamado “Doodlebug”, en el que en poco menos de tres minutos nos sumerge en una historia minimalista, de un único protagonista, y que acapara toda la atención del espectador por su inquietante fotografía y su maravillosa manera de ser filmado.

Tras este corto se atrevería con un largo que le costaría 6.000$, y en el que nadie cobró un solo dólar. El largo se llamaría “Following”, no llegaría a salas de cine, pero triunfaría en festivales de cine independiente. Esto le llevó al interés de una productora por su siguiente trabajo “Memento”, el cual tendría un coste de 9.000.000 de dólares, con el que dio el salto al cine profesional.

 

U-TURN (el otro Oliver Stone)

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Existen dos tipos de películas en el universo Oliver Stone, el cine serio, y el cine por diversión. A todo el mundo le apasiona su lado serio, y es lógico, pues es todo un señor director y entra en temáticas muy peliagudas que otros ni se atreven a pisar… pero su lado “hago éstas otras pelis porque me sale de las narices” me mola mucho.

Cuando compró el guión de Tarantino “Asesinos Natos (Natural Born Killers – 1994) y lo “adornó” a su gusto, a todos sus seguidores les pareció una atrocidad, en cambio para quienes le descubrimos en aquella época (con mis 16 añitos) nos parece formidable que retuerza el montaje, los planos y los personajes de esta forma.

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Asesinos Natos da para un artículo muy extenso que seguro redacto algún día, pero yo quiero hablar de “Giro al Infierno” (U-Turn – 1997), un film retorcidísimo que protagonizó un espléndido Sean Penn y una inquietante Jennifer López.  Ennio Morricone envuelve esta aventura desesperada en música muy extraña acompañando escenas donde la incoherencia de unos personajes que habitan un pueblo infernal se hacen con todo el protagonismo.

SINOPSIS

Después de un accidente de coche en el desierto de Arizona, Bobby Cooper (Sean Penn) consigue llegar a un pequeño pueblo habitado por gentes muy extrañas. Allí conoce a una pareja formada por un hombre maduro (Nick Nolte) y una atractiva joven (Jennifer López). Pronto, el marido le propondrá matar a su esposa. Poco después, ella le propondrá matar a su marido. 

Cada personaje está medido al milímetro, y todos ellos aportan un valor importante a la historia. Joaquin Pohenix está increíble haciendo de novio hiper celoso y ridículo en esta cinta, pero cabe destacar la interpretación de Billy Bob Thornton, quien nos dejó atónitos haciendo de asesino en la mini serie Fargo. Y es que “Giro al Infierno” está repleta de actores estupendos que se animaron a la fiesta de Stone. Nick Nolte lo da todo en su papel de padre depravado, con un incesto en su haber del que no se arrepiente.

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El ambiente, los planos, los personajes y la música consolidan un film divertido, agobiante e hipnotizador, una película que muchos han descartado de sus videotecas por ser un film irreconocible de su director, pero que en cuanto a ambientación y planos recuerdan mucho a “The Doors” (1991), donde el director hace tributo a una de sus bandas favoritas enseñándonos el mundo de Morrison desde su perspectiva de indios y sustancias psicotrópicas… una película no tan repudiada por los espectadores cinéfilos.

Sí aun no la has visto te recomiendo que lo hagas, eso si, sin prejuicios, sin comparativas… solamente siéntate y disfruta.

 

LLEGA DE NOCHE (culto al post-apocalipsis)

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Esta es la segunda película de Trey Edward Shults, un film de infectados donde la enfermedad es contagiosa y letal, sin zombies… un film post apocalíptico sin explicaciones, tan solo una narración directa de lo que le sucede a una familia que sobrevive tras la desaparición, supuestamente, de gran parte de la humanidad.

SINOPSIS:

Paul (Joel Edgerton) es un hombre que vive en una casa de madera con su esposa Sarah (Carmen Ejogo) y su hijo Travis (Kelvin Harrison Jr.), y que no se frenará ante nada para proteger a su familia de una presencia maldita que les atemoriza desde el exterior de su casa.

La sencillez de la película es aplastante, deja de lado las típicas explicaciones sobre lo que ha sucedido entendiendo que el público tiene ya  un master en cine de zombies y pandemias mundiales. Se centra en el esfuerzo de una familia por creer y confiar en otra que sufre la misma suerte.

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La cinta está rodada con el tono que últimamente llevan las cintas de terror, por decir algo concreto destaco “La Bruja” (The Witch – 2015), donde los planos se sostienen, la música es sutil y la credibilidad debe estar ante la licencia cinematográfica que en el 90% de las ocasiones, se carga con un espectáculo ridículo de efectos especiales, todo el film.

Noventa minutos que desfilan entre tensión más que terror… pues en mi opinión creo que su director y guionista, ponía en escena el miedo por la raza humana y su comportamiento ante una situación crítica, que a la propia enfermedad en sí. Algo parecido ocurría en “Infectados” (Carriers – 2009 Hermanos Pastor), donde la importancia se le da a la gente y su desconfianza.

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Sin duda hablamos de una cinta interesante, sin adornos, sin efectos patateros de medio pelo y sin ningún interés en hacer cine comercial de terror.

Muy Aconsejable.